国立工芸館の館長に聞く。北陸の工芸を巡る旅の「予習」。

2020.10.14

No. 03

線引きのあいまいさを上手に取り入れながら、文化がうまく回っています。

 

坂本:ここまでで、工芸を見る際のポイントを教えてもらいました。

 

しかし、工芸とは辞書を調べると「美的価値を備えた実用品をつくる営み」と書かれています。

 

その意味から考えれば、工芸品とは美的価値を備えた実用品という意味ですよね。

 

先ほどから、職人の工芸ではなく作家の工芸を前提とした話が中心だったため、「見る」という楽しみ方が優先されてきたと思うのですが、工芸には使う楽しみはないのでしょうか?

 

唐澤:もちろん、あります。例えば今、桃山時代とか、江戸時代の初期につくられた器がすごくいいと言われています。

 

自分が企画している備前焼の展覧会では、桃山時代から江戸初期の器が展示されていますが、ほとんどが現役です。

 

300年、400年と長い時間を大切に使われてきた器は、その分だけの何かが乗っかっているのですよね。

 

作品展で器をお借りする場面でも、すごく大切に使われてきた器と、買ってから一度も使われていない、箱からぽこんと出された器では、全然味わいが違います。

 

後者は、ちょっとかわいそうと思う時すらあります。

 

坂本:やはり、工芸品には使われてこそなんぼという部分もあるのですね。

 

唐澤:愛知の美術館で働いた時に、館の茶室で使う器を、ある作家さんから買いました。

 

何年かして、その作家さんが、茶室で自分の器を使ってお茶を飲んだ時、変化があまりにも良かったので、「茶室の器を新しい器と交換してくれないか?」と言ってきたことがあります。

 

お寺さんの持っている国宝のお茶わんを借りた時も、住職の方が一度使って、一番いい状態で貸してくださいました。

 

展覧会の途中も、「お茶会があるから一回戻してね」だとか、借りに行った時に茶入れにお茶が残っていただとか、代々受け継いできた工芸品を、次の代に受け継がせていくために、大切に使い続けている人たちが、確実に世の中には存在しているのです。

 

逆に、大切にされた器を1週間、2週間と展示すると、今度は器が乾いてしまって、どこかかわいそうな感じに見えてきます。

 

 

坂本:ただ、その話を突き詰めて考えると、国立工芸館のようにたくさんの工芸作品を収蔵して展示するというやり方は、矛盾していませんか?

 

この国立工芸館にもストックがいっぱいあるはずで、寂しげに眠っている子たちも、たくさん居るはずです。

 

唐澤:居ますよね。なかなか収蔵品に関しては、使えないと思います。使いたいけれど使えない、

 

国民の財産ですから、粗相があってはいけません。

 

再掲。橋本真之『果樹園―果実の中の木もれ陽、木もれ陽の中の果実』(1978ー88年)。

ただ、つくる側も、作品が完成した瞬間だけではなく、半年後、1年後に変わる姿を想定しているはずです。

 

それを計算に入れると、展示している側も、見る側も、新しい楽しみ方が出てくると思います。

 

坂本:それはとても面白い考え方だと思うのですが、職人と違って作家は、そもそも自分の工芸品を使ってもらわなくてもいいと考えているのでしょうか?

 

唐澤:両方だと思います。使ってほしい、見て楽しんでもらいたい、その両方です。

 

「見る=使う」という鑑賞者たちも存在しているわけですから。

 

坂本:でも、それは、かなり高度な人たちの楽しみ方ではないですか?

 

唐澤:そんなことはないと思います。例えば飾りつぼという工芸品があります。

 

その工芸品の用途は「飾る」です。空間の中で物として生きる工芸品、つまり、飾るが用途なのです。

 

坂本:なるほど。言われてみると、確かにその通りですね。

 

唐澤:そもそもの話として、国立工芸館は、作家の顔の見える作品を収蔵しています。

 

実用品としての工芸品を選んでも、他と同じ工芸品が、前後の時代にたくさん存在しているわけです。

 

類似品がたくさんあるとなれば、自然と古い方が価値を持つので、新しい工芸品は淘汰されてしまいます。

 

新しい工芸品を残して、次の時代、次の世代に、引き継いでいかないと、継承が途切れてしまいます。

 

だからこそ、顔の見える、他に類例のない、時代を取り込んだ新しい作家の作品を収蔵し、後世に引き継いでいこうとしています。

 

その前提に立った上で先ほどの使う・使えないの問題に戻ると、国立工芸館の展示をする、収蔵しているだけでも、工芸品には見え方に変化が生まれるので、楽しみは深まると考えています。

つくる側はある程度の線引きをしているのですが、われわれ鑑賞者にとっては、線引きは難しい。

 

坂本:先ほどお茶の器の話がありました。そこでちょっと立ち止まって、素朴な質問をさせてもらいたいのですが、工芸と民芸の違いは何なのですか?

 

工芸品を辞書で調べると、美的価値を備えた実用品と書かれています。一方で民芸品を辞書で調べると、地方色豊かな手工芸品と書かれています。

 

個人的な感想ですが、工芸品という言葉には洗練された美の響きがあって、民芸品には土の温もりのような響きがあるような気がします。

 

無学な私からすると、先ほどのお茶の器で言えば、作家の名前はないけれど、地方色豊かな手工芸品(民芸品)が長い時間を掛けて、他にはない価値を帯び始めた、民芸品としてのイメージがあるのですが。

 

唐澤:結論から言うと、工芸と民芸の違いはあいまいです。つくる側はある程度の線引きをしているのですが、われわれ鑑賞者にとっては、線引きは難しいと思います。

 

民芸の人たちは、名もない、むしろ名前をあえて記さないで、素晴らしい仕事をしています。

 

その意識は、場合によっては作家の工芸に迫るかもしれません。そうなると、境界があいまいになってきています。この問題は、ずっと昔から言われてきました。

 

しかし、日本はそのあいまいさを、うまく利用してきていると思います。線をばしっと引かないと言いますか。

 

美術の場合は、線を引いてしまいますよね。外国でも、例えば、ceramic artist(陶芸作家)と言うのか、potter(陶工)というのか、すごく線引きにこだわります。

 

九谷焼。写真提供:石川県観光連盟。

逆に日本の工芸の場合は、線を引かない分だけ、いろいろなジャンルの人が入ってこられる自由さがあります。

 

例えば現代美術の人が、工芸の素材とか技法だとかを見て、「これは面白い」と、いい部分を吸収していきます。

 

工芸の内側に居る人たちでも、機能性、デザインに特化して自分の作品を絞り込んでもいけるし、逆に表現に特化した作品づくりも展開できます。

 

つくる側にはそうした自由な楽しみ方があるし、受け手の側も、その自由な感じを膨らませて、見ても使っても楽しめる幅広さが工芸にはあります。

 

坂本:それが日本の工芸なのですね。

 

唐澤:そもそも、工芸という言葉自体も、明治時代に生まれた新しい言葉です。

 

それ以前の江戸時代にまでさかのぼれば、生活の中に美術があって、境界はありませんでした。

 

特にこの北陸は、江戸時代のころから工芸が強い地域なので、境界線がいい意味であいまいです。

 

そのあいまいさの中で、石川、金沢の文化は上手に回っていると思います。こちらに来て、すごく感じた、文化的な特徴です。

 

坂本:その境界があいまい、線を引かない分だけ、いろいろなジャンルの人が入ってこられる自由さの話、すごく納得しました。

 

工芸というと、本物とか、正当とか、伝承とか、ちょっと一般の人にはとっつきにくい部分もあるような気がしています。

 

しかし一方で北陸でも、伝統や継承といった世界観とは異なる新しさ、面白さを玄関口に、工芸の楽しさや素晴らしさを身近に感じさせてくれる仕掛け人たちが目立ちます。

 

例えば、富山には木彫りの井波彫刻があります。正直、正当な井波彫刻というか、伝承されてきた井波彫刻には、富山に引っ越してきてからしばらく、無学な自分のアンテナには何も引っかかりませんでした。

 

しかし、井波の彫刻をまた別の角度から提案してくれる仕掛け人たちの切り口で、一気に井波彫刻が近くなった気がしました。

 

井波彫刻の作家や職人たちも、その今までにないアプローチに対して寛容にフィットしようとしているように、少なくともお気楽な外野からは見えます。

 

高岡の銅器の世界でも、知人のプロダクトデザイナーが新しい感性で、伝承や伝統、正当性などとは異なる入り口を用意してくれています。

 

要するに、境界線があいまいで、自由に出入りできる懐の深さがもともと日本の工芸や民芸、美術の世界にはあって、その寛容さが、また今の工芸の世界を面白くしているのだと感じました。

 

(編集部コメント:線引きのあいまいさが、民芸や工芸や美術の垣根を低くし、結果としてそれぞれの文化が刺激を受け合い、育まれている。日本らしい話ですね。

 

次は実際、こうした工芸の基礎知識を持った上で、どこの産地に出掛ければいいのか、マイクロツーリズムの行き先の話に続きます。)

素地が焼き締まってガラス化した焼き物。

純白の磁器。

この記事を書いた人

坂本 正敬

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